lunes, 26 de diciembre de 2016

FALLECIO EL DIRECTOR DE CINE ELISEO SUBIELA

En la madrugada de este domingo falleció en San Isidro el director de cine Eliseo Subiela, a los 71 años. La información fue confirmada por la web "La cosa cine". A los 71 y en vísperas de su cumpleaños -el 27- murió el director cinematográfico Eliseo Subiela, autor de obras emblemáticas como "Hombre mirando al sudeste", "El lado oscuro del corazón" y "No te mueras sin decirme adónde vas", entre muchas otras que supieron tener el aplauso tanto de la crítica como del público, incluso un par de plagios de la industria de Hollywood. Entrenado en el mundo del cine publicitario de la década del 60, ese mismo de donde surgió, por ejemplo, Fernando Ezequiel Solanas, supo aportar al cine algunos títulos que sorprendieron por su audacia y su forma de abrevar en la observación del amor y la pasión, y también de la vida, que en las últimas tres décadas, lo expuso al final, que finalmente sobrevino en la madrugada de hoy. En 1963, Subiela dirigió su primer cortometraje, "Un largo silencio", un documental acerca del Hospital Neuropsiquiátrico Borda, con las voces de María Vaner y Lautaro, y dos años después "Sobre todas estas estrellas", protagonizado por la entonces juvenil Nené Morales, no obstante habría de pasar mucho tiempo para llegar a su primer largometraje. Precisamente a finales de la década del 60, y ya avanzada la Revolución Argentina, tal como se llamó al quiebre institucional encabezado por Juan Carlos Onganía, Subiela fue parte del grupo de diez cineastas que dirigieron "Argentina Mayo de 1969: Los caminos de la liberación", entre ellos Solanas, Nemesio Juárez y los desparecidos Enrique Juárez y Jorge Cedrón. En ese trabajo, mezcla de imágenes de conflictos sociales y testimonios, se recortó el episodio que imaginó y concretó Subiela, "Didáctico sobre las armas del pueblo", se inicia con imágenes de miseria, con el tema "Gracias a Dios", por Palito Ortega, para luego convertirse en un instructivo, con bastante humor, acerca de como se hace una bomba incendiaria molotov. Tras el cortometraje que solía proyectarse por separado antes de las funciones -clandestinas- de "La hora de los hornos", de Solanas y Octavio Getino, habría de pasar una década para su debut en el largometraje, que fue con la discreta, pero muy prolija, "La conquista del Paraiso", rodada en Misiones en la frontera con Brasil, con Arturo Puig y Kátia D'Angelo. Tras ese propuesta que cosechó algunos elogios pero poco público, Subiela se dedicó a preparar su su segunda, y esta vez si, gran apuesta fuera de los cánones habituales de producción, que resultó "Hombre mirando al Sudeste", en 1986, la historia de un misterioso interno que un día aparece en el Hospital Borda y asegura ser un extraterrestre con curiosos poderes. El relato, que tuvo como figuras centrales al también artista plástico Hugo Soto y a Lorenzo Quinteros, como el psiquiatra al que le toca este paciente y termina revolucionado por él, sorprendió a todos por igual y dio a Subiela la categoría de gran descubrimiento, autor de una ficción fantástica que no solo mereció el premio mayor en La Habana, sino la envidia de Hollywood. A tal punto fue la atracción de esta historia que mucho asociaron a la de un ex combatiente de la guerra por Malvinas, que Hollywood tentó a Subiela a irse allí a seguir su carrera, propuesta que el director rechazó con una memorable carta-solicitada en la que no compartía la idea de renunciar a su identidad y a un futuro con su familia en la costa californiana. Subiela no aceptó dirigir allí una nueva versión de "Hombre..." y en Hollywood, expeditivos, se la plagiaron no una sino dos veces: la primera fue "Mr. Jones", de 1993 y con Richard Gere, donde el guión de Eli Roth olió, y mucho, a primer plagio, con sexo del psiquiatra cambiado por el de una mujer, obvio para un inevitable romance, interpretada por Lena Olin. El segundo fue "K-Pax", en 2001, de Iain Softley, con Kevin Spacey y Jeff Bridges, en los papeles de Soto y Quinteros, que fue por más y terminó siendo de hecho una copia al carbón y esto llevó a Subiela a enjuiciar a la producción del filme a la distancia que, finalmente, habría llegado a un arreglo con el Argentino y resarcirlo, al menos económicamente.
Tras "Hombre.." Subiela abordó "Ultimas imágenes del naufragio" (1989), "El lado oscuro del corazón" (1992), "No te mueras sin decirme adónde vas" (1995), cuando ya enfrentó sus primeros síntomas de una afección cardíaca, que en varias ocasiones lo pusieron entre la espada y la pared, "Despabílate amor" (1996), que rozó lo retro y "Pequeños milagros" (1997). La experimentación volvió con "Las aventuras de dios" (2000), y con un hombre y una mujer atrapados en un viejo hotel de la década del 30, y en plena crisis de 2001, que lo azotó personalmente con el "corralito", salió nuevamente a la carga con una fallida segunda entrega de "El lado oscuro del corazón", con casting argentino-español. Su paso por la televisión incluyó la serie "Historias de no creer", cuatro episodios titulados "Angel", "Relaciones carnales", "El destino de Angélica" y "Qué risa la muerte", para volver al cine con "Lifting del corazón" (2005), y las muy valiosas "El resultado del amor", con Sofía Gala y Guillermo Pfening y "No mires para abajo", con Antonella Costa. En 2009, y con la obsesión puesta en lo efímero de la vida y en la búsqueda de una segunda oportunidad, presentó "Rehén de ilusiones" y tres años más tarde su última obra, "Paisajes devorados", un falso documental sobre tres noveles directores que quieren retratar a un cineasta interno del Borda, interpretado por el verdadero Fernando Birri. Al promediar la década del 90, el cineasta abrió un centro de enseñanza, la Escuela Profesional de Cine de Eliseo Subiela, en el barrio de Belgrano, con docentes como Miguel Angel Rocca, Dieguillo Fernández, Rodolfo Denevi, Daniel Pensa y Daniel Pires Mateus, entre muchos otros, y una productora de sus filmes y de otros colegas. El ganador del Cóndor de Plata a mejor director en tres oportunidades, estaba preparando un nuevo largometraje, "Corte final", con Miguel Angel Solá y Selva Alemán, según había anticipado un homenaje al cine al que él mismo amó con pasión toda su vida.
Amores imposibles, utopías, riesgo estético, audacia para encarar temas muy vinculados con la vida y la muerte, poesía, a veces propia, otras tomadas de Oliverio Girondo, como "Espantapájaros" o "Interlunios"; de Mario Benedetti, como "Rostro de vos" y "Corazón coraza", y de Juan Gelman, como "Poco se sabe" y "Sefiní", en "El lado oscuro del corazón", que lo marcaron a fuego. Con la partida de Subiela queda el recuerdo de una obra importante para el momento en el que le tocó surgir, primero con absoluta rebeldía, pero en especial la madurez que permitió descubrir era posible romper esquemas y lo hizo en la vuelta a la democracia todavía fresca, con rigor, con su gran metáfora acerca de la locura y, como si fueses poco, con la poesía del alma. Fuente TELAM

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lunes, 19 de diciembre de 2016

SOBRE WALT DISNEY

El cine de animación es hoy lo que es gracias a Walter Elias ‘Walt‘ Disney, un hombre con una visión muy adelantada a su tiempo, pero también envuelto en falsas leyendas incluso 50 años después de su muerte, como la que asegura que fue criogenizado. Con su fallecimiento se extendió rápidamente la historia de que su familia había decidido congelar su cuerpo a la espera de que los avances científicos pudieran encontrar una cura para el cáncer de pulmón que había acabado con su vida a los 65 años y de forma fulminante, en apenas un mes. Algunos fueron incluso más lejos y aseguraron que sólo se había congelado su cabeza. Pero en realidad fue incinerado ya que, aunque alguna vez había hablado a favor de la criogenización, nunca lo dejó por escrito, por lo que su familia ni se lo planteó. Tampoco nació en Almería (España), como otro de los rumores más populares en torno a su persona. Nació en Chicago el 5 de diciembre de 1901 y más allá de curiosidades, fue un genio y 50 años después de su muerte -que se cumplen hoy- nadie ha superado sus logros.
Además de fundar la todopoderosa compañía Walt Disney, se llevó los diez primeros óscars desde que se instauró en 1931 el premio al mejor corto de animación, y en sus 44 años de carrera logró 22 estatuillas, un récord aún no superado. Fue el creador, junto a su equipo, de legendarios personajes animados como Mickey Mouse, el pato Donald, Pluto o Goofy, estrellas de unos estudios que fundó junto a su hermano Ron en 1923 -originalmente llamados Disney Brother Studios-. Y fue, por encima de todo, un visionario del campo de la animación, a la que dedicó toda su vida, y que amplió más allá de las salas de cine, con una serie de parques de atracciones que demostraron su arriesgado estilo empresarial. Cuando todos le tildaban de loco, sabía ver más allá de las estrechas miras de la época y la innovación fue la marca de la casa hasta su muerte. Apostó por la animación sonora en 1928 con el cortometraje ‘Steamboat Willie‘, protagonizado por un Mickey Mouse que se convertiría en su personaje más famoso y que le proporcionaría su primer Óscar honorífico en 1931. Siete años después, en 1938, se llevó su segundo premio especial, en esta ocasión por lo que en Hollywood vieron como un enorme logro, el largometraje ‘Snow White and the Seven Dwarfs‘, un proyecto descomunal para la época, en el que trabajaron más de 300 personas.
La adaptación de este cuento de los hermanos Grimm inauguró una época en la que llevaron al cine, con enorme éxito, otras historias como las de ‘Pinocchio‘ (1940); ‘Dumbo‘ (1941); ‘Bambi‘ (1942); ‘Cenicienta‘ (1950); ‘Alicia en el país de las maravillas‘ (1951) o ‘Sleeping Beauty‘ (1959). Siguió arriesgando con ‘Fantasia‘, una película por la que se llevó de nuevo un Óscar especial pero que no fue entendida en aquel 1940. Con los años, su preciosismo, la belleza de sus imágenes y una modernidad aún latente, la han convertido en un filme de culto. También dio con la clave del éxito con sus películas infantiles pero con personajes reales e incluso con una mezcla de animación y ficción realmente magistral como ‘Mary Poppins‘ (1964), que abrió un camino diferente para los estudios Disney. Según testimonios, Disney era un racista, misógino y antisemita, que no creó ninguno de sus personajes. A tal punto que en los estudios sólo los hombres podían dibujar mientras las mujeres debían limitarse a colorear. Disney tuvo que trabajar como canillita y así ayudar a su familia, hasta que estudió arte. Acumuló críticas al mismo ritmo que éxitos con sus películas y creó todo un imperio que hizo que Disney fuera sinónimo de animación y que mantendría su hegemonía hasta décadas después de su muerte.
Walt Disney fue, por su inventiva, pero a su manera, heredero directo de Thomas Alva Edison, y como aquel, gestor de un engranaje de relojería, un creativo brillante pero a la vez un explotador a ultranza de cada derecho de autor, algo que lo ayudó a construir un emporio del entretenimiento. Efe y Télam WALT DISNEY

jueves, 15 de diciembre de 2016

Nueve Reinas Pelicula Argentina COMPLETA

CONADIS EN SAN JUAN

San Juan 14 de diciembre de 2016.- La Dirección para las Personas con Discapacidad a través del ministro de Desarrollo Humano y Promoción Social, Walberto Allende, firmó junto a la presidenta de la CONADIS, Sara Valassina, un convenio en el marco del Programa Banco Descentralizado de Ayudas Técnicas de la Ley de Cheques (25.730). El monto asciende a $1.980.000 y está destinado a financiar la ampliación de un banco descentralizado de ayudas técnicas, cuyo objetivo será brindar asistencia a personas con discapacidad que no cuenten con cobertura social. Dicho banco contará con camas ortopédicas, bastón para ciegos, andadores, bastones canadienses, sillas de rueda para niños y adultos, muletas y colchones antiescara entre otros elementos, en un proyecto que se gestionó desde el Ministerio de Desarrollo Humano, a través de la Dirección de Personas con Discapacidad.
A través del banco de préstamo los interesados podrán solicitar cualquiera de los dispositivos rellenando una hoja de solicitud y presentándola en la Dirección de Personas con Discapacidad o los municipios. Este proyecto también tiene como objetivo fomentar el aprovechamiento y reciclaje de este tipo de recursos, razón por la cual, el banco de ayudas técnicas dispondrá de la sección de donaciones para aquellas personas que ya no necesitan de su uso, puedan acercarlas a la Dirección para que se reparen de ser necesario y se asignen a personas que los requieran. Prensa y Difusión Social Ministerio de Desarrollo Humano y Promoción Social Centro Cívico 1er. Piso Núcleo 2 Tel. 0264-4306126 Cel. 0264 156712324

miércoles, 14 de diciembre de 2016

ENTREVISTA A JACO VAN DORMAEL, DIRECTOR DE “EL NUEVÍSIMO TESTAMENTO”

ENTREVISTA A JACO VAN DORMAEL, DIRECTOR DE “EL NUEVÍSIMO TESTAMENTO” De visita en Buenos Aires, el director declaró: “Mi film es una mezcla entre el realismo y el surrealismo”.
El cineasta belga Jaco Van Dormael visitó la Argentina para promocionar su último trabajo: “El Nuevísimo Testamento”, un cuestionamiento a la obediencia donde Dios es representado como un hombre tirano, y grosero, y su hija Éa como una personita que busca por sobre todas las cosas hacer el bien. Con ecos a la exitosísima “Amélie”, este viaje entre la realidad y la fantasía es una simpática propuesta que no debería ofender por su tono satírico: en última instancia es un canto a los valores humanos y una búsqueda de comunión entre los hombres. Filmada entre Bruselas y Luxemburgo por temas de producción, la película cuenta la mismísima Catherine Denueve en su reparto. En esta conversación para ULTRACINE Jaco nos cuenta algunos secretos del rodaje y qué es lo que buscaba con El Nuevísimo Testamento, una película que no considera religiosa. Ultracine: ¿Cuál era su motivación personal para realizar este film que tiene como base “El Nuevo Testamento”? Jaco Van Dormael: Tengo formación católica, y tengo amigos religiosos a los que los hace más fuerte creer en Dios pero esta no es una película sobre la religión. La religión es un pretexto para hablar sobre la dominación: política, religiosa, del hombre sobre la mujer y también intra-familiar. Es también la historia de un padre que le dice a su hija que le tiene que obedecer sino la castigará y de una hija que se rebela contra ese mandato. U: Los intérpretes de la película son variados: hay actores reconocidísimos como Benoît Poelvoorde en el papel de Dios y debutantes como Éa (Pili Groine). También está Catherine Denueve como un Apóstol. ¿Cómo fue trabajar con ella que es un ícono del cine europeo? J.V.D: A Catherine Denueve le envíe el guión y aceptó inmediatamente. De hecho, no hablamos nada sobre el mismo hasta el momento de la filmación. Y eso que tiene escenas fuertes en la película, escenas de cama. Recuerdo que cuando íbamos a filmar la escena con el taxi-boy yo le dije que si quería se quedara en ropa interior y ella me respondió: “Yo no hago el amor en ropa interior”. Realmente, es una actriz y una mujer formidable, con mucho humor. La nena (a la que elegí después de haber casteado otras tres nenas) también trabajó muy profesionalmente. Las dos tienen la inteligencia de los sentimientos. U: ¿Le llevó mucho tiempo escribir el guión? J.V.D: El guión me llevó 9 meses escribirlo distribuido en varios años, y el rodaje duró aproximadamente 12 semanas.
Catherine Denueve. Catherine Denueve. U: ¿Y cómo fue el proceso de financiación? J.V.D: El proceso de financiación fue difícil porque mi película anterior no fue un éxito y entonces a este film decidí producirlo yo mismo. Fui mi propio director y eso me dio mucha libertad y también la suerte de poder trabajar con amigos. De hecho, al set venían incluso familiares de mis amigos como la madre de uno de ellos que me dijo: “Vos no hacés nada pero hacés todo el tiempo comentarios sobre lo que hacen los demás.” (Risas) Me pareció una buena definición de lo que es un director. Lo bueno que tuve co- producción con Luxemburgo lo que hizo que los exteriores sean en Luxemburgo y los interiores en Bruselas. U: ¿Qué es no tener éxito en Bélgica y cómo fue recibida esta película “El nuevísimo testamento”? J.V.D: No tener éxito es que la película no se venda a muchos países. De hecho, en la Argentina no se mostró nunca. En cambio, esta película fue muy bien recibida en mi país. Quizás porque respeté los distintos acentos de los personajes que en mi país varían de región a región. Para los extranjeros, incluso para los franceses, esas variaciones son imperceptibles pero para los belgas tienen un sentido. Para mí, esa mezcla entre la realidad y la total fantasía de la película genera un efecto cómico. Mi film es una mezcla entre el realismo y el surrealismo. U: Su film me recuerda a “Amélie” de Jean Pierre Jeunet… ¿Qué le parece? J.V.D: Sí, creo que tiene relación. Sobre todo porque el personaje de la nena quiere hacer el bien y que estén todos felices. “Amélie” es una película crística, de alguien que quiere hacer el bien. Y ese es el modelo también de El Nuevo testamento que es la base de mi película.
U. Hablando de referentes… ¿cuáles son sus directores preferidos? J.V.D: Bueno mis referentes son directores que no tienen nada que ver con mi trabajo como por ejemplo Tarkovsky. Cuando miro “El Espejo” y no entiendo cómo lo hizo, cuál es la estructura subyacente, eso me atrapa mucho. Pili Groine. Pili Groine. U: Usted se formó entre París y Bruselas pero también estudió circo y algo de eso se ve en el film no solo por la presencia del Gorila sino también por la caravana de los Apóstoles. J.V.D: Sí, absolutamente. También porque hay distintos sketches. U: ¿Qué es lo que más le gusta del hecho de filmar? J.V.D: No son muy conciente cuando filmo de las cosas que voy haciendo. Lo que más me gusta es cuando vemos el resultado a posteriori y todos coincidimos en que salió bien, por ejemplo, cuando vemos un plano hermoso. Como trabajo con amigos, comparto todo con ellos. Nos despedimos de Jaco con un beso en una tarde calurosa de Buenos Aires en el barrio de San Telmo y sin luz. Su película “El Nuevísimo testamento” se puede ver a partir del jueves 8 de diciembre en los cines argentinos.

martes, 13 de diciembre de 2016

Los muchachos de antes no usaban gomina - 1969

FIESTA NACIONAL DE SOL 2017

ABEL PINTOS, KAPANGA Y CIRO Y LOS PERSAS LOS PRIMEROS CONFIRMADOS La ministra de Turismo y Cultura, Claudia Grynszpan, anunció esta mañana los artistas nacionales que llegarán a la edición 2017 de la Fiesta del Sol. Abel Pintos abrirá los shows del escenario mayor el 21 de febrero y Kapanga junto a Ciro y los Persas le darán rock a la noche del 23.
​ La Fiesta Nacional del Sol 2017 ya tiene sus primeros artistas anunciados, Abel Pintos por tercer año consecutivo llega a la mayor fiesta de los sanjuaninos y hará la apertura del escenario principal en lo que sería la primera noche de la Fiesta, el 21 de febrero. El jueves 23, el rock llega a la FNS con la presentación de dos grandes bandas. Por un lado Kapanga y posteriormente Ciro y Los Persas. De acuerdo a lo solicitado por el público sanjuanino Abel Pintos presentará su último trabajo, ONCE, y también sus clásicos. Al igual que los dos grupos de rock que le darán toda la adrenalina a la Fiesta. Por otro lado, la Ministra afirmó que próximamente se anunciará el artista internacional que pisará suelo sanjuanino el 24 de febrero y el grupo de la noche de música popular el día 22.